tidligere udstillinger

KROPSLOMMER   |    Emil Vodder K. og Olga Benedicte


Februar 2020


Udstillingen KROPSLOMMER er en totalinstallation bestående af to delelementer:   

                       /Indrammede hud​folder med ​gennemsigtige baner, som ​kropslige lommer af hukommelse, der forbinder dorsale arme i bølgebevægelser. de former sig i små kontrollerede ryk​.

    

                       //Plastiske blokke som gradvist afrundes. afløbende sæbespåner, som et linned, der ligger i lag​.  monotone cirkulærer bevægelser. maskinelle gentagelser.​ samlinger af hvide luftbobler, der​ punkteres i  kontakt med luften.​ gradvist stigende. gradvist aftagende.  


Værket er lavet i et samarbejde mellem komponist Emil Vodder K. og billedkunstner Olga Benedicte.   


Olga Benedicte (f. 1988) er uddannet på Det Jyske Kunstakademi og The University of the Arts, Helsinki.  Hun tog afgang i 2018 og har siden deltaget i forskellige udstillinger herunder på udstillingen TALETID på  Rønnebæksholm Kunsthal, ‘Første Torsdag’ på Kunsthal Aarhus, Grænselandsudstillingen i Aabenrå og nu  aktuel på udstillingen SENSE ME på Trapholt Kunst- og Design museum. 

Link til hjemmeside: www.olgabenedicte.com   


Emil Vodder K. (f. 1989) dimitterede fra Det Jyske Musikkonservatorium i Aarhus 2018.  I sit virke har han generelt stort fokus og interesse for forholdet mellem lyd og form. Dertil også en interesse i  publikums opfattelsen af selvsamme, hvor diskrepansen i forholdet mellem virkeligheden og den opfattede  virkelighed udforskes, forstørres og udviskes.   Han har i sit virke arbejdet med en bredt vifte af auditive og visuelle udtryksformer, som blandt andet tæller  performance-kunst, totalinstallationer, koncerter, teater m.m. – ofte i et tværmedielt format. 

Link til hjemmeside: www.emilvodder.dk 


Udstillingen er støttet af Statens Kunstfond


Installation views KROPSLOMMER. Foto: Olga Benedicte

ALBERT MERTZ - THE BODY  |  Kurateret af Asger Dybvad Larsen


Januar 2020


Udstillingen “Albert Mertz - The Body” tager udgangspunkt i Mertz’ afbildninger af menneskekroppe. Den fejrer Albert Mertz’ 100 års fødselsdag
og den relevans han har haft for det danske kunstmiljø.


Værkerne på udstillingen er udlånt fra private kunstsamlinger heriblandt
Asger Dybvad Larsens egen samling, hvoraf nogle af dem aldrig er blevet
udstillet før.


Værkerne er dateret fra 1956 til 1985, som repræsenterer
både perioden før og efter skiftet til rød/blå værker i 1960’erne.
I de udstillede værker fremstiller Mertz kroppene som todimensionelle
flader med skarpe kanter og ofte sammensatte af geometriske former, som
igennem tiden bliver mere og mere opløst til ren form. Disse oftest humoristiske og tegneserieagtige fremstillinger af kroppen blev inspirationsgrundlag for mange andre kunstnere i og efter 1960’erne heriblandt eks-skolen
eleverne Per Kirkeby, John Davidsen, Ole Knudsen og Tom Krøjer.


Temaet ”kroppen” er valgt ud af et af mange emner, som Albert Mertz
gennem tiden har interesseret sig for. Han er især kendt for sine stramme,
minimalistiske kompositioner, hvor forskellige motiver optræder gentagne
gange: bl.a. huse, spidsnæser, vinduer, bogstaver og biler. Før disse minimalistiske og til tider pop-art lignende motiver har han også arbejdet sig
igennem bl.a. surrealisme og abstrakt ekspressionisme.


Installations views, foto: Luna Lund Jensen

TO DRAW A LINE   |   Anne Louise Blicher og Trine Bork


December 2019


Udstillingen TO DRAW A LINE har fokus på linjens kraft og vejen ting bevæger sig i tid og rum. Hvordan linjer og streger på en gang opdeler, afgrænser og skaber bevægelser som afsæt for territoriale performances, diversitet, metamorfoser og mutationer mennesker og ting imellem.


Billedkunstner Anne Louise Blicher har inviteret billedkunstner Trine Bork til at co-udstille med afsæt i udstillingens tematikker med ønsket om at udforske og skabe dialog mellem deres respektive praksisser. Begge udstillende kunstnere har en interesse i maleriets skulpturelle egenskaber samt foldens og linjens indflydelse.



ANNE LOUISE BLICHER

Med udgangspunkt i sin interesse for, hvordan naturlige processer og naturens kræfter kan fungere som metamorfiske og potentielle komponenter i nye klimatiske infrastrukturer arbejder Anne Louise Blicher i udstillingen ud fra ideen om et vertikalt ”grænseland” af frit hængende sanselige skulpturer; ting der ”drypper” ned, berører og markerer sig, sætter spor symbolsk og konkret aftegnet som streger på gulvet med forskellig intensitet, der synliggør det faktum, at et materiales vægt og form i samspil med det medium det agerer i definerer måden tyngdekraften manifesterer sig på, dvs. måden det visuelle spor former sig. I centrum for denne undersøge er tangen som materiale, der som makroalge modsat planten er uden rødder, i samspil med materialiteter som garn, ler, jord og gips. Fokus er på tingenes materielle performativitet, dvs. hvordan de kan indgå i samspil med og knytte sig til andre ting og kroppe. Konceptet er inspireret af Emanuele Coccias kosmiske have, hvor atmosfæren og dens cirkulation af gasser og væsker skaber planetens kerne, ikke jorden. De sanselige skulpturer agerer sammen med et loftsmaleri, som motivisk tager afsæt i nærstudier af tang med kompositorisk reference til klassiske symmetriske loftsudsmykninger, hvor motiverne spejler sig i hinanden og tilsammen danner et rumligt billede; et himmellegeme, der åbner sig op og lade sig sanse både med blik og krop.


ANNE LOUISE BLICHER arbejder ud fra en research- og tekstbaseret konceptuel malerpraksis, der svinger mellem figuration og abstraktion i form af sanselige objekter og som skulpturelle, draperede, foldede og udfoldede malerier. Hun stiller spørgsmål ved den vestlige landskabstradition indenfor maleriet, der har skabt en forståelse af naturen som et postkort scenarie, der placerer mennesket udenfor rammen, som om naturen ikke involverer os. I en tid hvor klimaforandringerne kan ses som det ultimative udtryk for menneskeskabt design giver det ikke længere mening af skelne mellem mennesker og natur. Blicher søger derfor nye mere bæredygtige måder at repræsentere naturen på ved at erstatte de uendelige horisonter med close-up kropslige undersøgelser af landskabet. Hun anvender grafisk antropologi som en imaginær metode til at aktivere steder og nå tingenes indre essenser med brug af empatien og fantasien som kognitive værktøjer. Gennem at observere, intra-agere og nedfælde en ting opstår en form for indeksial forbundethed, en nærhed, som gør, at man lærer tingen at kende på en ny og mere intime måde. Hun arbejder ud fra detaljerede realistiske studier af ting, som hun efterfølgende bearbejder i forskellige stadier af flux, hvor motiverne modelleres via generative filtre gennem entropiske mønstre af fraktaler og refleksioner.


Anne Louise Blicher er uddannet ved Florence Academy of Art (SE/IT) og The Royal Institute of Art Stockholm (SE) 2015. www.alblicher.net / @alblicher




TRINE BORK

De udstillede værker tager afsæt i Borks personlige erfaringer som pårørende til en Parkinsonsramt. Parkinsons sygdom skyldes mangel på signalstoffet dopamin, som hjernen skal bruge til kontrol og bevægelse, og derfor konstant skal dannes. Periodevis gennem dagen kan den Parkinsonsramte opleve aftagende effekt, hvilket er pludselige forringelser, når medicinens virkning aftager. Efter en ny dosis medicin kan bevægeligheden vende lige så pludseligt tilbage. Når et menneskes bevægelighed og kognitive nærvær på denne måde ’falder ud’, kan den aftagende effekt opleves, som om tiden pludselig ’sænker farten’, ligesom medicinens virkning igen kan ’sætte farten op’ og dermed også bevægeligheden. Denne vekslen gør - i Borks erfaring som pårørende – oplevelsen af en fælles tid mere flydende, mere fragmenteret, uhåndterlig, som om man falder ud af hinandens tider, mens den aftagende effekt står på. Denne oplevelse af et menneske, et fysisk nærvær, som pludselig ’falder ud’, er som en rumlighed, der helt uventet bliver meget flad, et negativt rum. Som relieffer, hvor værket i grunden er fladt men oplevelsen rumlig (eller omvendt), afspejles denne konflikt i Borks forsøg på at gøre skellet mellem flade og objekt mere flydende, både i sin ophængning i udstillingen og generelt i sine værker.


TRINE BORKS billedkunstneriske praksis er formet af en kombineret interesse for maleriet og fladens skulpturelle potentiale. Variation som et grundvilkår, som en uregerlig og uundværlig naturkraft, udfoldes i Trine Borks værker og installationer gennem spontane penselstrøg, påklistrede lister og andre fundne materialer, i utilsigtede streger eller lysets vekslende samspil med foldede og nedsunkne linjer i lærredet. Bork er optaget af fladens transformative egenskaber, og hvordan en flade kan indtage og optage det omkringliggende rum. Gennem tegning, maleri, assemblage, skulptur og installation undersøger hun de rumlige forskydninger, sammensatte forbindelser eller konflikter, der kan opstå gennem ofte ganske enkle bearbejdninger af forskellige materialer og flader. Interessen for variation, diversitet, det foranderlige gør, at hun ofte sammensætter en bred vifte af visuelle udtryk med ønsket om at afprøve eller udfordre, hvad der betinger visuel sammenhæng eller en kunstnerisk signaturstil. Gennem et mix af tegning direkte på væggen, både som selvstændigt værk og baggrund for andre værker, vanligt oliemaleri og påklistrede fundne materialer, abstrakte folder og fordybninger i lærredet og papiret, udforsker Bork, hvordan disse niveauforskydninger i flader i samspil med lyset i rummet skaber et assemblage totalværk. Senest har Bork været optaget af at udforske betydningen af naturlig variation og genetisk diversitet som en evolutionær drivkraft, både med tanke på den højaktuelle biodiversitetskrise og - fra et mere personligt perspektiv – drivkraften i et menneskes kamp med og mod progressiv sygdom.


Trine Bork er uddannet ved Glasgow School of Art (UK). Siden 2017 er Trine aktivt medlem af kuratorgruppen i det kunstnerdrevne udstillingssted OK Corral på Frederiksberg, København. www.trinebork.com / @t_b_o_r_k


Installations views, foto: Mikkel Kaldal

Kulisse   | 

Alexander Marchuk

Biba Fibiger

Casper Koch Hughes


November 2019


(installationen opleves fra gaden, gennem projektrummets vinduer).


I se! indrammes det store vinduesparti i gallerirummet, så der dannes en kasse eller kulisse, hvori placeringen af forskellige værker skaber sammenspil med hinanden, gallerirummet og uderummet.


Konceptet bag udstillingen er bl.a. inspireret af sociologen Erving Goffmans termer ”front stage” og ”backstage”, der metaforisk og analytisk drager paralleller mellem hverdagslivet og teaterscenen. ”Front stage” præsenteres her som en teaterscene, hvorpå en skuepiller spiller en rolle for et publikum, hvilket er afhængig af omgivelserne – scenen eller konstruktionen, bestemte rekvisitter samt skuespillerens evne til overbevisende at udleve sin rolle eller offentlige persona for et publikum. ”Backstage” præsenteres som bagom scenen, hvor skuespilleren kan træde ud af sin karakter, og ikke skal optræde for nogen, men derimod kan være sig selv – sit virkelige jeg. Det er også stedet, hvor vedkommende kan forberede sig på sin offentlige persona før de træder ud på scenen igen. Dette kan ifølge Goffmann, relateres til menneskers bevægelser mellem den offentlige og private sfære i hverdagslivet, hvilket kan udspille sig i forhold til forskellige identiteter, sociale konstruktioner og adfærdsmønstre.

I forbindelse med dette kredser udstillingens værker om modsætningsforholdet ”naturlig og unaturlig”, hvilket kan relateres til Goffmans distancering mellem det virkelige jeg og den offentlige persona.


Dette ses ikke entydigt i værkerne, men kan opleves på forskellige måder: Værkerne flimrer som små lysfluer i den fugtige unaturlige natur. Her er der ingen træer; kun blade. Op imod bladende står de frem som personligheder der taler til dagen og natten. Og som tigeren i et Henri Rousseau maleri gemmer de sig og træder ud af den stiliserede natur på én og samme tid. De udgør en komplet flade og eksisterer et sted hvor der findes et for og bag. At se dem kun fra et sted, er at se dem halvt. Men at placere sig midt imellem og opleve dem med et indre blik; er at være, hvor de virkelige lever.


Biba Fibiger (f.1984), uddannet fra Det Kongelige Danske Kunstakademi 2016, billedhuggerskolen. Bor og arbejder i København.

Link www.bibafibiger.com


Alexander Marchuk (f. 1983), uddannet fra Det Kongelige Danske Kunstakademi, 2012. Bor og arbejder i København.

Link Instagram: @marchukalex


Casper Koch Hughes (f. 1983), uddannet fra Det Kongelige Danske Kunstakademi, 2013. Bor og arbejder i København.

Link www.casperkochhughes.dk 


Installations views, foto: Mikkel Kaldal

Krops kompas - Når sten gror   |  Freja Niemann Lundrup


Oktober 2019


Med fokus på kroppen og rummet, indtages se! af billedkunstner og billedhugger Freja Niemann Lundrups storladen sten installation: “Krops kompas - Når sten gror”. Udstillingen er en skulpturel totalinstallation som kredser om forholdet mellem det ydre og det indre. Kroppen som en beholder, én skal med indhold, foldes ud, vendes på vrangen og gives form. Værkerne er med andre ord, udvendige former på indvendige tilstande.

Vores fysiske, affektive forhold til verdenen omkring os er et tilbagevendende emne i Niemann Lundrups arbejde. Hun arbejder med den menneskelige krop, dog ikke det formelle ydre syn på kroppen, som det ses i den klassiske skulptur. Hendes skulpturelle praksis giver form til, hvordan psykologiske processer lagres og forbliver i vores krops egen hukommelse. Affekt bliver til form. Niemann Lundrups praksis fremfører kroppens interne registreringer gennem skulpturelle værker, der ofte ser ud til at være en slags levende organisme-dannelse. Værkerne undersøger, hvordan vores krop er en kompleks kombination af sociale, psykologiske og biologiske processer.


Som mennesker er vi født ind i systemer. Dannet af sammensætninger, vores indhold og ydre påvirkning. Vores viden er baseret på mængden af indsamlet viden fra folk før os. Vi tillærer os, udvikler os og 'producerer' videre, på dét vi er født på. Vi er fysiske væsener, i en fysisk verden, og alligevel foregår det meste inde i vores sind. Vi lever inde i vores hylster og bruger vores krop som redskab til at opleve den fysiske verden omkring os. Oplevelser optages i ens krop og sind, ikke-håndgribelige ting påvirker os og bliver en del af os. Intet forlader kroppen. Selv verden omkring os kan ses som en krop. Et lukket system. Alle ting er dele af det store hele og alt påvirker massen. De ting, der er gjort med 'kroppen', forbliver der. Intet forlader kroppen, uanset om vi refererer til menneskets krop, materialets krop, jorden, stenen eller systemet.


Freja Niemann Lundrup (f. 1990) er uddannet på Det Jyske Kunstakademi og Hochschule für Künste i Bremen, Tyskland. Hun tog afgang i 2018 og har siden deltaget i forskellige udstillinger og symposier og opsat to offentlige værker, i henholdsvis St. Heddinge skulpturpark og Hollufgård skulpturpark. Hun blev udvalgt til et Residency i Tilburg, Holland og har der i slutningen af året en solo udstilling. Hun er pt. Aktuel på Vestjyllandsudstillingen, i Janus bygningen.


Udstillingen er en del af Art Weekend Aarhus og støttes af

Aarhus Kulturudviklingspulje og Gerhard Hennings legat.


Installations views, foto: Mikkel Kaldal

Shades   |   Caoimhe Kilfeather & Aske Sigurd Kraul


September 2019


Shades of colour, shades of light. Shades that mark the passage of time. Shades of nature, shades of architecture. Shades of control.


This duo exhibition by Caoimhe Kilfeather (IE) and Aske Sigurd Kraul (DK) features new, site-responsive works that form literal and figurative shades spanning the interior and exterior of se! udstillings- og projektrum in Aarhus, Denmark.


Woven metal screens, which are folded in intricate pleats that echo patterns found in nature, filter the gallery’s natural light. A row of shallow water basins line the floor, each filled with a different concentration of dye. Chemical solutions will separate over the course of the exhibition, with the shades of each component becoming more distinct over time. Works formed through weather exposure and as allusions to functional elements of the building - rain paintings and a rotating brass sign inhabited by moss - can be understood as “shades” of natural and built environments. And more abstractly, each work carries a shade of the artistic process, a trace of the artists’ relationships with their materials as they negotiate between control and surrender.


About the Artists

Caoimhe Kilfeather studied at the National College of Art Design, Dublin and the Slade School of Fine Art, London. The work she makes is predominantly sculptural and often generated through experimental and intuitive processes in the studio alongside more targeted research and reading. The affect and experience of different materials, light conditions and scales is of great interest to her - both the context of being in architecture and the built environment as well as in landscape and the natural environment.
www.caoimhekilfeather.com


Aske Sigurd Kraul grounds his practice in material experimentation, exploring the formal properties and aesthetic potential of unorthodox materials. He often acts as a catalyst for materials to change on their own over time, and embraces the instability and uncertainty that is inherent in the kind of processes that grant materials agency. Each artwork is a living form undergoing visible and invisible processes as the materials interact with each other.

www.askesigurdkraul.com


Guided Tour: Saturday, September 7, 5:30-7pm

As part of Aarhus Festuge, we will lead a guided tour of three independent exhibition spaces in Aarhus: se!rum, KH7 artspace, and Spanien 19C. Join us at se!rum to learn more about these exciting artist- and curator-run initiatives.


Curated by Sasha Rose Richter and Pamela Grombacher


Installations views, foto: Jacob Juhl


Supported by Aarhus Kommune and Culture Ireland


N OR M   |   Anders Reventlov og Niels Bach


August 2019


N OR M Drawn Identities

En udstilling om Tegning, graffiti, nostalgi, venskab og Hærværk

Udstillingen tager udgangspunkt i et 20 -årigt samarbejde imellem de udstillende kunstnere. Beskueren bliver inviteret med til arbejdsbordet i et pastelfarvet nostalgitrip, der bygger på solens evne til at få maling til at falme.



At være vokset op i provinsen, i en tid uden internet, hvor kedsomheden blev erstattet af endeløse cykelture frem og tilbage for se på en bestemt betonvæg, langs en bestemt togstrækning, - for at kravle over spor, - for at opleve en bid af noget andet, noget der kun kunne læses om i undergrundsmagasiner: det har været en katalysator for de to kunstneres liv og udvikling. Med en ustoppelig energi og nysgerrighed har de to kunsternere siden 1996 arbejdet anonymt sammen på vægge og alverdens overflader. Fra de første rejser til nabobyerne Middelfart, Fredericia og Kolding, og siden til bl.a. Næstved, Basel og Rio De Janeiro, har de malet utallige navne og bogstaver overalt hvor de er kommet forbi. Målet var at byde ind med et modsvar til det de så, og ser, som en regelstyret og konservativ graffitikultur.

Udgangspunktet var provinsbyen, Bredballe, hvor hverdags hærværk blev udskiftet med konstruktiv vandalisme. Opdagelsen af man kunne skabe sin egen virkelighed og sit eget alterego blev skelsættende: en nødvendig virkelighedsflugt, der aldrig stopper.


Anders Reventlov og Niels Bach mødes nu, for første gang nogensinde, i udtillingssammehæng. I en totalinstallation vil beskueren igennem lyd, fotografi, tegning og maleri blive inviteret ind i de to kunstneres univers og få et lille glimt ind i kunstnernes enorme og utrættelige produktion, hvor et spørgsmål konstant vender tilbage N eller M.


Anders Reventlov f. 1984 uddannet fra Det Jyske Kunstakadmi 2004-2009


Link til mere information: Format Artspace

GRØDE   |   Signe Parkins


Juli 2019


I se! præsenteres kunstbogen GRØDE samt 6 store akvareller (101 x 66 cm.) lavet i sort tusch.


Udgivelsen af bogen GRØDE markerer afslutningen på arbejdet med en samling af nye stregtegninger og fungerer som udstillingsplatform for disse.

I bogen dissikerer, nedbryder og genopbygger Parkins kvindekroppen i en undersøgelse af legemet som et hylster for følelser, spirende liv og forgængelighed.


De 6 store akvareller som udstilles i rummet, er bogens vogtere.


Signe Parkins (f. 1979) er illustrator, tegneserietegner og billedkunstner. Hun udgiver eksperimenterende bøger med tekst og tegning og har vundet flere priser for sit arbejde.

KULDEFALD   |   Malwina Migacz og Laurits Nymand Svendsen


Juni 2019


Disse levn, disse levn, disse levn.

I disse levn er der et spor. I disse levn er der blevet begået en gerning. I disse levn er der en adfærd, som opstod.

Her er observationer og handlinger dokumenteret. 

Sammenhænge mellem genstand og spor, begivenhedens integritet holdes intakt.

Ved indtrædelsen opstår kontakt med bevismaterialet.

I disse levn er der ansvar og integritet. I disse levn er der et koldt tilfælde.

I disse levn kan bevismaterialet altid flyttes.



Malwina Migaczs praksis kredser om undersøgelsen af grundlæggende menneskelige drifter der ofte udvikler sig til kontrol og besættelse for at besidde. Hendes nuancerede praksis er historiefortællende og poetisk. Hendes arbejder viser sig som glimt fra erindringen, som der længes efter, der hjemsøger. Materialiteter og teksturer pirrer sanserne i oscillationen mellem det hårde, rå, mørke og det bløde, nænsomme og skrøbelige.


Laurits Nymand Svendsen arbejder med magisk realisme, sci fi, fantasy, robotter, mikrokunst, et digitalt museum og meget andet. Hans værker beskæftiger sig ofte med temaet natur/naturlighed – han har fx lavet skulpturer til dyr og udendørs installationer. Svendsen er også tilhænger af kollektiv kunst. Han mener, at kunstneriske samarbejder kan give bedre værker og udstillinger, og at de er et vigtigt modtræk til den individuelle praksis.



English//


TITLE

KULDEFALD


Malwina Migacz (1985, DK)

Malwina Migacz’s praxis revolves around fundamental human drives that often evolve into control and possessive obsessions. Her nuanced works are narrative and poetic. They materialize like flashes from memory, longed after, haunting. They arouse one’s senses with their materials and textures oscillating between hard, rough darkness and sensitive, fragile softness.



Laurits Nymand Svendsen (1987, DK)

Laurits Nymand Svendsen works with magical realism, sci-fi, fantasy, robots, micro-art, and much, much else. His works are often concerned with ideas of nature and naturalness – e.g. he has made several works for animals. Svendsen is a fan of collective art projects. He believes that artistic collaborations often makes for better works and exhibitions, and he sees them as an important countermove to artists working individually.



DESCRIPTION

KULDEFALD


These remains, these remains, these remains.

In these remains there is a clue. In these remains a deed was done. In these remain a behavior emerged.

Observations and actions are documented here.

Connections between objects and clues, the integrity of the event is kept intact.

Contact with the evidence is established upon entry.

In these remains there is responsibility and integrity. In these remains there is a cold case. In these remains the evidence can always be moved.

Once in a Blue Moon   | 

Maria Lundström (SE)

Henning Schultz (DK)

Signe Ralkov (DK)

Paul Weiner (US)

Mathias Malling Mortensen (DK)

Anne Torpe (DK)

Lars Sarto Hempler (DK)

Alessio Guano (IT)


Maj 2019


se! is proud to present the group exhibition ONCE IN A BLUE MOON.


The phrase “once in a blue moon” suggests something that happens only very rarely.

Although it is tempting to suppose that something that happens very rarely is equal to the impossible, it isn't so. Actual examples of the moon appearing blue is in fact the exception that proves the rule. 


The same notion can be held about organizing an exhibition with artist from around the world with ease. The idea to create a show with small artworks that could be transported easily across the world evolved from a mutual online fascination between the participating artist.


The connection and common interest in working methods is the main focus in the presented works. For the majority of artists, the use of layers and mixed media is important and often consequential. ONCE IN A BLUE MOON presents works that deal with the different dynamics of these processes.

figurative malerier med titler  |    claus ejner


April 2019


se! udstillings- & projektrum viser claus ejners udstilling “figurative malerier med titler”, der består af 23 malerier, gouacher på papir, der alle har en titel og som alle er figurative og som ironiserer over det optimerede fornuftsmenneske/det praktiskgjorte menneskes hverdag, eller er polemiske diskussioner om samfundsmodeller, eller er belysninger af diverse eksistentielle problematikker, eller er portrætter af kunstneren selv i et meget fortolket lys.


På ferniseringsdagen vil claus ejner lave en performativ oplæsning af 6 digte. Han vil føre en kort telefonsamtale med Francis Picabia, han bliver medlem af arbejdsstyrken, han ser nærmere på sin hjemstavn, hvor mennesker blandt andet graves ned som lygtepæle, han læser et lykkeligt digt om en bøjle, han prøver at forestille sig, hvorledes mennesker, følelser og tanker i fremtiden vil gestalte sig og til sidst slutter han seancen med en oplæsning af digtet “Afslutning”:


Man flytter en sten, man flytter en til

og en til, man har en lille bunke sten,

man flytter flere sten, man har en større

bunke sten, hele sit liv flytter man sten,

og tilsidst har man et bjerg af sten, og

så dør man, og så bliver man selv en

sten, og en dag kommer der en og flytter

en over i en bunke af sten, der en dag

bliver til et bjerg af sten, og det kaldes

meningen med livet, og en dag dør den

person, der har skabt det bjerg og bliver

en sten, der flyttes over i en bunke af

sten, der bliver til et bjerg af sten,

og det kaldes mangel på mening med livet,

og en dag dør denne person og bliver en sten.


Udstillingen støttes af Aarhus Kommune, KULTURUDVIKLINGSPULJEN


Link til claus ejners hjemmeside

Opal Eyes  | Philip Glazer, Fraser Gray and Russell Leng


Marts 2019


Created specifically for se!, Opal Eyes is an exhibition of new work by Philip Glazer (Denmark), Fraser Gray (Scotland) and Russell Leng (Canada).


Taking digital screens as its starting point the installation contains the artists’ playful attempts to translate their look and feel into physical materials.

Each artist has a background in painting, but has created new work using ceramics, translucent window films, textiles and polystyrene. Texture and light are utilized in works which reference visual experiences in digital worlds. In opposition to the binary rules of the digital space, the works in this exhibition are made to change and react to outside stimuli.


Glazer’s lenticular sculptures populate the space and appear to move as they are viewed from different angles. These sculptures appear alluring, with their unusual materials and iridescent finishes, but have a darker side as they track visitors around the room.

The artworks also take cues from the ways we interact with the screen - scrolling, swiping, typing and clicking. Leng’s pieces started as drawings made to record plants, rocks, shells and other elements found while physically exploring VR landscapes. These ‘digital en plein air’ sketches were then used to translate his findings into a ceramic hanging garland.


Gray’s window films translate images through building up images via layers of colour placed on top of each other. This process dates back to early printing techniques, although in this instance is created digitally. The outcome, a large window film utilises natural and unnatural light sources to mimic a glowing screen, whilst also referencing traditional stained glass windows. This work makes reference to augmented reality apps, as stacked layers of coloured translucent film are applied directly to the galleries window superimposed onto the world outside it.

The Moon over Misanthropolis  |  Aske A. Hvidtfeldt


Februar 2019


På udstillingen The Moon over Misanthropolis udstiller Aske A. Hvidtfeldt nye malerier, som i et dialektisk buespænd beskriver dagens død, månens flugt over himlen og morgendagens kemiske genopståen. 

Med inspiration i Dmitri Shostakovichs kontroversielle Symfoni no. 7, fremmaner Hvidtfeldt med sit kantede, geometriske, glatte og farverige udtryk en snigende uro, der næsten ubemærket kryber ind og lægger sig om værkerne.


Aske A. Hvidtfeldt havde afgang fra Det Jyske Kunstakademi 2014 og arbejder foreløbigt med maleri, tegning, film og lyd.


Link til Aske A. Hvidtfeldts hjemmeside

Blaue Geister  Johanne Skovbo Lasgaard og Nina Nowak


November 2018


In the exhibition Blaue Geister, Johanne Skovbo Lasgaard and Nina Nowak are working together on the idea of patterns and forms of hollow symbols, emptied objects as a basic narrative. Former functional objects and their geometry become the blueprint for the installation at se-rum.


Link til Johanne Skovbo Lasgaards hjemmeside

Link til NIna Nowaks hjemmeside

Forever and a day   |   Lars Sarto Hempler


Oktober 2018


På udstillingen præsenterer Lars Sarto Hempler en serie nye værker som både betydningsmæssigt og visuelt er optaget af det repetitive.


Med de grafiske editioner som udgangspunkt, er værkerne en undersøgelse af den progressive forvandlingsproces der ligger i den gentagene handling.


Link til Lars Sarto Hemplers hjemmeside

SUK - SUKKER - SØDEST   |    PLAN C


August 2018


Kunstnergruppen PLAN C har eksperimenteret med værker ud fra emnet sukker.


Elsket og udskældt.

Årsag til tragisk skæbne og død for mennesker.

Stående på enhver kolonialhylde - og kopieret til en ”bedre” udgave

til sundhedsguruernes store fryd.


SUKKER!


PLAN C:

Søren Romby, Helga Bønsvig, Luise Faurholt, Mariane Lyngsø og Pia Möller-Light.


Link til Søren Rombys hjemmeside

Link til Helga Bønsvigs hjemmeside

Link til Luise Faurholts hjemmeside

Link til Mariane Lyngsøs hjemmeside

Link til Pia Möller-Lights hjemmeside

Status er PULS   |    Louise Sparre


Maj 2018


Status er PULS er en stedsspecifik udstilling der tager afsæt i pulsen, altså vores hjerterytme.

Når hjertet trækker sig sammen, pumper det blod rundt i kroppen. Hver sammentrækning kaldes et hjerteslag og et hjerteslag er = puls.

Høj puls

Normal puls

Hvilepuls


Der er to kredsløb i kroppen, det store og det lille. Gennem det store kredsløb pumper hjertet friskt iltholdigt blod ud i kroppen, mens det i det lille kredsløb, lungekredsløbet, pumper iltfattigt blod til lungerne. Blodet er vores indre transportbånd, livgivende flydende væv eller en ursuppe der holder kroppen kørende og overgives fra mor til barn, frugtbarhedens cyklus - blodets bånd.

Udstillingen visualiserer blodomløbet og nogle af de hormoner som føres med blodet rundt og kraftigt påvirker kroppens tilstand. Kamphormonerne kaldes de: adrenalin og kortisol. Disse udskilles fra binyrerne og sendes ud i blodbanerne, hvor de hjælper det sympatiske nervesystem med at gøre kroppen ”kampklar”.

Status er PULS er en totalinstallation som favner beskueren i et cirkulerende kredsløb. Udstillingen peger på høj puls eller stress som en kropstilstand, der også mere overordnet kan betragtes som en samfundstilstand.


Link til Louise Sparres hjemmeside


Udstillingen støttes af Statens Kunstfond

En tanke  |  Dick Nyhuus og Nalini Printz


April 2018


En tanke har mere end én betydning, afhængigt af hvilken sammenhæng den indgår i. Den kan være flygtig og den kan have grobund i noget mere fast. Det flygtige eller det bevægelige versus det mere faste, er omdrejningspunktet i Dick Nyhuus og Nalini Printz' samarbejde. Fælles for Nyhuus og Printz er deres optagethed af det formmæssige og fortællingen. I en arbejdende proces vil de, med hver deres kunstneriske tilgang, gå i dialog for at skabe en stedsspecifik installatorisk sammenhæng.


Dick Nyhuus

“I mine skulpturer arbejder jeg hovedsageligt ud fra kernen. Både når jeg arbejder med skulpturer, der har en fortælling, men også når jeg arbejder i et arkitektonisk og konstruktivt formsprog.

Min karakter er at gå kantet rundt om cirklen. I nogle af værkerne ligger der en form for kommentar til menneskets gøren og laden. Mine arbejder til udstillingen kommer til at bestå af transformationer og sammenstød mellem værker lavet til samarbejdet med Nalini og værker af ældre karakter”.


Link til Dick Nyhuus Instagram profil


Nalini Printz

“Jeg er optaget af det grafiske og det skulpturelle. Tilgangen er direkte. Fortællingen fungerer som det igangsættende eller afsluttende. Sproget har en central plads i mit arbejde. Det dukker op som påstande, tanker, følelser og som tegn. Det er baseret på egne oplevelser, iagttagelser og samtaler.

Mine arbejder i denne sammenhæng har baggrund i det midlertidige og det der kan være i nuet”.


Link til Nalini Printz hjemmeside

Link til Nalini Printz Instagram profil

Closed Stroke is a Shape   |    Maya Stefania Wibling


Marts 2018


En udstilling der undersøger det håndholdte spontane maleri i sammenhæng med geometriens rationelle former og ydre orden.


En bevægelse danner udgangspunkt for billedet. Handlingen er det enkle og tydelige spor på fladen og fremstår som en abstraktion over den brugte gestik, der kan ses som en budbringer af iboende former i kroppen.


Processen har karakter af spontanitet og en “et-skud-i-bøssen” præmis.

For at tage billederne et skridt videre efterarbejdes den gestiske abstraktion med enkle former og linier lånt fra geometrien.


På den måde afsøges forskellen mellem de former og bevægelser, der er skabt af kroppen, og de rationelle former der læner sig op ad geometri og ydre orden.

Der er stor forskel - og malerierne ender med at være kompositioner der balancerer bevægelse, den håndholdte og den konkrete form.


Link til Maya Stefania Wiblings hjemmeside

Being & Beings  |    Lars Worm og Mette Boel


December 2017


Siv. Kviste. Lærred. Reb. Læder. Gips. Grene. Bambus. Skum. Nylon. Træ.


Hvad er naturen for et sted og hvem bor i den?


Med klare referencer til ”DIY” og re-use traditionen, er ’Being & Beings’ et rum hvor materialer og objekter, syntetiske og naturlige, bøjes og modificeres. Værkerne rører ved noget rituelt, noget uprøvet og pseudohistorisk og skaber en overgang fra en tilstand til en anden. De befinder sig et sted i twilight zonen mellem fortid og nutid, natur og kultur, og skaber en spænding mellem noget håndgribeligt og noget abstrakt.


Link til Lars Worm

Link til Mette Boel

Dage uden sammenhæng  |  Signe Parkins og Line Lisberg Refstrup


November 2017


Fra skildringer af et levet hverdagsliv til skæve og humor fyldte besøg i en grotesk fantasiverden. Dage uden sammenhæng er en udstilling af tegninger som drømmeagtigt projicerer både genkendelige verdener og opdigtede universer befolket med mere eller mindre fantastiske skabninger: En stue, et køkken, en badeanstalt, levende bjerge, vaffelhekse og ihærdige tegnere udklækket af billeæg.


Signe Parkins (f.1979) er tegner og forfatter. Hendes produktion omfatter tegneserier, billedkunstneriske bogeksperimenter og illustration. Signe er bogaktuel med den rablende voksenbilledbog Tusindfryd. Materiale fra arbejdet med Tusindfryd udstilles sammen med nye billedfortællinger.


Link til Signe Parkins hjemmeside


Line Lisberg Refstrup (f.1975) er tegner og illustrator. Hendes arbejde tager ofte afsæt i konkrete hændelser. På udstillingen præsenteres værker som skildrer et levet liv, skabt i perioden 2016-2017.  Samlingen er en blanding af dagbogsskitser og tegninger, der udspringer af tanker, erindringer og dagligdagen.


Link til Line Lisbergs hjemmeside

FRAGMENTER   |   Olga Benedicte og Freja Niemann Lundrup


November 2017


Konstruktioner af subjektive virkelighedsopfattelser i fragmenter, der fungerer i flere lag med datid og nutid som brikker i det hele billede.

Olga Benedicte og Freja Niemann Lundrup arbejder med erindringer, minder i kroppen og minder ’fra andre kroppe’ overleveret i historier og billeder.

Kunstnerne har med hver deres fokus og udtryksmåder skabt værker, der berører de samme områder på to meget forskellige måder.


Olga Benedicte studerer på femte år på Det Jyske Kunstakademi (2013-2018) og The University of The Arts, Helsinki (2016-2017).


Freja Niemann Lundrup studerer på femte år Det Jyske Kunstakademi (2013-2018) og Hochschule für Kunste, Bremen. (2016-2017).

Women in Nature  |  Ida Sønder Thorhauge  og Johanne Lykke Poulsen


August 2017


Women in Nature præsenterer nye værker af billedkunstnerne Johanne Lykke Poulsen og Ida Sønder Thorhauge i en duo-udstilling på udstillingsstedet se!


Kroppen og naturen som motiv er udgangspunktet for dialogen mellem Thorhauges stålskulpturer af poserende kvindekroppe og Poulsens overdimensionerede blomstermalerier. I mødet mellem de to kunstneres værker udforskes spændet mellem det abstrakte og det figurative.



Ida Sønder Thorhauge (f. 1990) er uddannet fra Det Jyske Kunstakademi i 2016 og Akademie der Bildenden Künste i Wien (2014-2015). Thorhauge arbejder primært med maleri og skulptur. Hun bearbejder kunsthistoriske fragmenter i et kontemporært udtryk, hvor kroppen og blikket udforskes gennem tilbagevendende grundfigurer. Thorhauge er medlem af udstillingsfænomenet Piscine og har tidligere udstillet på bl.a. udstillingsstedet Den nordiske ambassade i København og i Kunsthal Nord i Aalborg. Frem til d. 30. september 2017 er hun arbejdende kunstner i ARoS Atelier. 

Link til Ida Sønder Thorhauges hjemmeside


Johanne Lykke Poulsen (f.1989) er uddannet fra Det Jyske Kunstakademi i 2015. Poulsen arbejder med malerier i storformat på papir og lærred. Hun undersøger antydninger af motiver fra naturen og arbejder i feltet mellem figuration og abstraktion. Poulsen har deltaget i undervisning ved BHQFU i New York (2014) og blandt andet været artist-in-residence ved Residency Unlimited i New York (2014) samt ved Det Danske Institut i Athen (2016). Hun har desuden haft sin første soloudstilling i samarbejde med Rendezvous Curators (2016) og vil fra september 2017 være repræsenteret af online-galleriet, Rendezvous Art Space.


Link til Johanne Lykke Poulsens hjemmeside


Udstillingen er blevet til med støtte fra Statens Kunstfond

Tudo Sobre Letras-spor af handlinger  |    Anders Reventlov


Juli 2017


Titlen på Anders Reventlovs udstilling i se! "Tudo Sobre Letras" er portugisisk og betyder "det handler om bogstaver". Her viser han en serie tegninger som han selv definerer som spor af handlinger. Handlinger der er stykket sammen og indsamlet på rejser rundt i Europa, i årene mellem 2014 og frem til en uge før udstillingsåbningen.


I Anders Reventlovs tilgang til det at skabe kunst, eksisterer det færdige kunstværk ikke, men alt er forbundet. Kun de handlinger som udgør processen, eksisterer.

En lille doodle i skitsebogen har lige så stor betydning som det 10 meter høje vægmaleri. Processen er en konstant strøm. Den stopper aldrig.


Anders Reventlov arbejder med håndskriftens flow og energi i sine tegninger og bruger materialer typisk knyttet til skrivekunsten, såsom kalligrafiblæk og sprittuscher. I disse søger han at komme så tæt på håndskriftens energi og ekspressivitet som muligt.


Tegningerne er spor af handlinger: ”At tegne, at skrive, at handle”.


Link til Anders Reventlovs hjemmeside


Anders Reventlov er uddannet fra Det Jyske Kunstakademi 2004-2009

og er repræsenteret af Galleri Format Artspace i København


Udstillingen er blevet til med støtte fra Statens Kunstfond

SUPERFLUID   |    Lars Sarto Hempler


Juni 2017


Lars Sarto Hempler har til udstillingen SUPERFLUID, skabt en række nye værker som kombinerer klassisk højtryk og maleri. Udstillingens titel refererer til eksperimenter med lag og dannelse af mønstre gennem materialernes viskositet.

Naturens mønstre er genskabt og sat i system. De skaber en visuel interaktion i de brugte materialer, der veksler mellem det naturlige og det syntetiske.

Udtillingen centreres omkring næroplevelsen af detaljen, - at lade blikket fordybe sig i en labyrint af perspektiver og formdannelser.


Link til Lars Sarto Hemplers hjemmeside


Kopenhagen Art Institute - Udstillingsbilleder Link


Lars Sarto Hempler (f. 1978) er uddannet på Det Jyske Kunstakademi, Aarhus i 2006 og UAL -University of the Arts London i 2000.


Repræsenteret af Format Artspace i København

ORD OG HULLER   |    Julie Stavad og Matilde Duus


Maj 2017


Julie Stavad og Matilde Duus mødes i udstillingen ORD OG HULLER i

se! udstillings- & projektrum.

Med udgangspunkt i flade skulpturer og skulpturelle collager viser de to kunstnere nye værker i dialog. Studio visits og brevudveksling går forud for udstillingens udvalg af individuelle værker, der som stille eksistenser skal samtale i rummet – dialoger på tværs af farver, materiale og form.


- Begæret efter de fysiske genstande fra vores hverdag som fx. mad, sko, smykker, blomster og duft udpeges og undersøges. J. S.


- En tilgang til kunst, hvor du oplever og erfarer med sanserne og kroppen og derigennem søger en åndelig og intellektuel forståelse af verden. M. D.

Udstillingen kan opleves inde i se! såvel som fra gadekrydset ved Hendrik Pontoppidans Gade og Marselis Boulevard.


Kopenhagen Art Institute - Udstillingsbilleder Link


Julie Stavad (f. 1987) er uddannet fra Det Jyske Kunstakademi i 2015 og har tidligere udstillet hos Charlotte Fogh Gallery og skabt værker til både Skovsnogen og Skulpturlandsby Selde. Stavads kunstneriske arbejde drejer sig ofte om mødet mellem det krøllede, eller fedtede, det organiske og de hårde materialer som fx stål og beton. Kontrast, dialog, helhed og del. Værkerne placerer sig et sted mellem abstrakte materialeundersøgelser, formøvelser og figuration. Udfra en dialektisk tilgang til sprog, krop og objekt undersøger hun særligt skulpturen som kunstobjekt såvel som historie.


Link til Julie Stavads hjemmeside

 

Matilde Duus (f. 1983) er uddannet fra Det Kgl. Danske Kunstakademi i 2014 og har tidligere haft udstillinger på Pablos Birthday (NY), LARMgalleri og c4 projects i København. Duus’ værker tager udgangspunkt i et to-dimensionelt format, men gennem arbejdet med materialernes transparens og skygger udfoldes en tredje, skulpturel dimension. Hun forsøger at indfange immaterielle størrelser som tid, lys og foranderlighed, gennem fysiske materialer som glas og papir. Glasset i Duus´ værker har en dobbeltfunktion som dels et fysisk materiale, med særlige kvaliteter og potentialer og dels som en metafysisk figur, et vindue ind til en anden, åndelig og mytisk verden.


Link til Matilde Duus´ hjemmeside



ORD OG HULLER - er en del af udstillingssamarbejdet Art Weekend Aarhus 2017 | www.artweekend.dk

KRABBEMÆLK    |     Signe Parkins

April 2017


”Under kjolen er kroppen ny. Den mærkes anderledes hver dag. På gåture kigger jeg efter insekter og planter. Jeg tegner når jeg kommer hjem.”


Signe Parkins udstiller nye tegninger i tusch i se!

Udstillingen er bygget op omkring en serie små tegninger (10,5x13 cm) og en serie store tegninger (100x70 cm).

Tegningerne kredser om vrede, hunkroppe, fødsler, insekter, krabber og sidelæns dans.


Signe Parkins er uddannet illustrator fra Designskolen i Kolding i 2007. Parkins arbejder med tegning og billedfortælling. I 2015 fik hun udgivet en bog med udvalgte dagbogsblade fra sin prisvindende blog Signe Parkins & Drawings. I øjeblikket arbejder hun på en eksperimenterende billedbog til voksne, som udkommer til sommer.


Link til Signe Parkins Blog

ZORB  ZONE  STONE  LIFE   |    Biba Fibiger og Nils Elvebakk Skalegård 


November 2016


ZORB ZONE STONE LIFE er et samarbejde mellem Biba Fibiger (DK) og Nils Elvebakk (NO) Skalegård.

Her viser de en række værker, de har produceret både sammen og hver for sig.


Udstillingen har som hovedtema naturen og det syntetiske.

Gennem samtaler og tankeudvekslinger har de kunstnerisk og udtalt cirklet omkring sætningerne:


- Det syntetiske forvrænger det naturlige og gør det til noget andet.

- Det døde påtager sig det levende.


Biba Fibiger (f. 1984) er uddannet fra Billedhuggerskolen Charlottenborg ved det Kongelige Danske kunstakademi, 2016. Gennem medier som betonmodellering, bronze, gips, metal, readymades og collage undersøger hun friktion og tilpasning mellem en kulturel- og en tænkt naturlig krop.


Fibiger iscenesætter situationer ved at opstille figurationer og stiltiende elementer i dialog med hinanden. Den flydende tanke i mødet med den bløde krop og den omkringliggende normaliserende kultur (herunder arkitektur, sprog og information) er begreber Fibiger forholder sig til i denne proces. Hendes søgen mod en sammensmeltning af figuration og abstraktion er et udtryk for en åben kritisk undersøgelse af et menneskeligt oprindelsespunkt og hierarki. Dette hierarki omhandler selvet i relation til samfundet; hvordan disse to flydende størrelser mødes og har indvirkning på hinanden.


Link til Biba Fibiger

 


Nils Elvebakk Skalegård (f. 1983) er uddannet fra Kunstakademiet i Bergen og Konsthögskolan Valand, Göteborg, 2013. I sit kunstneriske virke arbejder han med medier der har kort vej fra tanke til utryk. Disse indbefatter bl.a. ler, tegning, stearinafstøbninger, maleri, video, installation og lyd.


Mødet mellem natur, menneskets oprindelse og det moderne samfund (teknologiens evolution, multitaskingens tidsalder og en moderne rastløshed) er omdrejningspunkter i Skalegårds arbejde.


Skalegård forsøger at gestalte noget romantisk, sublimt og ikonisk ophøjet i sin kunst. Samtidig ønsker han at tage vare på hverdagslivets mangefacetterede, kaotiske og nogen gange kedsommelige stemninger. Resultatet af denne modsatrettede søgen er, som han selv udtrykker det, en ambivalens. Denne ambivalens sætter sit tydelige aftryk i værkerne.


Link til Nils Elvebakk Skalegård


Udstillingen anbefales af KUNSTEN.NU Link

Kopenhagen Art Institute - Udstillingsbilleder Link

ANDET     |     Jakob Bødskov


Juli-august 2016


I en serie stemningsmættede sort/hvid fotografier, kredser fotograf og billedkunstner Jakob Bødskov om begrebet "det andet". Det andet som dét der ikke er fremmed for os, men som oftest kun eksisterer i udkanten af vores bevidsthed. Registreringer vi ikke lægger mærke til. Afrevne stykker virkelighed.


Jakob Bødskovs fotografiske arbejde placerer sig et interessant sted i mellem genrerne Street Photography og kunstfotografi. Motiverne er på samme tid spontane og konstruerede, et paradoks der fascinerer og fastholder beskuerens interesse.


Jakob Bødskov om sine fotografier:

”Måske er mine billeder politiske, måske tager de stilling, måske er de små betragtninger, som jeg sætter sammen i et større puslespil, der danner et budskab. Noget er konstrueret, noget er dokumentarisk. Hvert billede kan betragtes som et selvstændigt dokument og samtidig et fragment, i en større fortælling.”


Link til Jakob Bødskovs hjemmeside

© Copyright 2020 | All Rights Reserved